Najpierw musisz zdecydować, gdzie będzie się rozgrywała Twoja historia. W zależności od gatunku może to być świat fantasy lub prawdziwe miasto.
Kiedy masz już plan, gdzie będzie się toczyć Twoja historia, możesz zacząć ją rysować. Nie jest to trudny proces i z praktyką zobaczysz postępy.
Projektowanie postaci
Projektowanie postaci jest kluczowym aspektem każdej książki mangowej. Ma na celu stworzenie ikonicznych postaci, które zapadają w pamięć i służą jako nośniki historii.
Wspaniały projekt postaci będzie przekazywał osobowość, postawę i możliwość odniesienia się do użytkowników. Będzie również przemawiać do celu i etosu postaci.
Aby rozpocząć proces projektowania, będziesz chciał zebrać referencje z różnych źródeł. Może to obejmować animację, fotografię, komiksy i obrazy. Kiedy masz już szeroki zakres inspiracji, czas stworzyć pierwszy szkic wstępny.
Następnym krokiem jest decyzja, jakie cechy chcesz włączyć do projektu postaci. Może to być fryzura, kolor oczu, a nawet styl ubierania. Musisz dokładnie rozważyć te wybory, jak również osobowość postaci i ogólny cel, zanim zdecydujesz się na ostateczny wygląd.
Zanim rozpoczniesz proces projektowania, ważne jest, abyś poznał wiek, osobowość i zawód swojej postaci. To pomoże Ci zawęzić proces projektowania i sprawi, że będzie on bardziej usprawniony.
Kolejną świetną wskazówką jest napisanie podpowiedzi dla swojej postaci. To pomoże Ci zawęzić pomysł i znaleźć odpowiedni projekt dla historii.
Jeśli szukasz niedrogiej, ale wyjątkowej książki o projektowaniu postaci, to warto sprawdzić Sherm Cohen’s Cartooning: Character Design. Jest to świetny punkt wyjścia dla każdego, kto jest nowy w świecie animacji i storyboardingu, i oferuje wiele cennych informacji.
Tworzenie dobrego projektu postaci wymaga praktyki i cierpliwości, więc nie zniechęcaj się, jeśli na początku nie wydaje się to łatwe. Na rynku jest wiele przydatnych książek, które pomogą Ci rozwinąć umiejętności i pewność siebie.
Jeśli chodzi o projektowanie postaci, istnieją trzy podstawowe elementy, na których powinieneś się skupić: sylwetka, paleta i przesada. Każdy z nich może być bardzo potężnym narzędziem do opowiadania historii, gdy jest używany prawidłowo.
Sylwetka Twojej postaci jest niezbędna, aby natychmiast przekazać krytyczne szczegóły dotyczące Twojej postaci. Na przykład, dobra sylwetka ujawni ich płeć, wiek i zawód.
Dobra paleta postaci jest również niezbędna do przekazania jej emocji i motywacji. Dobór palety kolorów, który jest celowy i strategiczny, pozwoli Ci stworzyć wiarygodną i angażującą postać bez przesady.
Storyboardy
Storyboardy są niezbędnym narzędziem dla każdego artysty, który pracuje nad komiksem, powieścią graficzną lub innym projektem z zakresu mediów wizualnych. Pomagają zidentyfikować blokady w czasie i zapewnić ciągłość pomiędzy scenami. Pomagają też uporządkować fabułę i określić, czy powinna być inaczej skonstruowana.
Storyboarding jest kluczowym krokiem w tworzeniu każdego komiksu i powinien być regularnie praktykowany jako część procesu twórczego. Jest to niezbędne narzędzie dla twórców komiksów i jeśli zostanie wykonane poprawnie, pozwoli Ci zaoszczędzić czas i pieniądze.
Storyboard powinien zawierać duży, pogrubiony tekst zawierający Twoją główną myśl na każdym slajdzie. W ten sposób przedstawisz swój punkt bez zagracania tablicy zbyt dużą ilością informacji.
Należy pamiętać, że storyboard nie jest dokładną reprezentacją tego, co znajdzie się w rzeczywistym komiksie. Zmiany i dodatki będą musiały być wprowadzane w miarę rozwoju komiksu.
Najlepszym sposobem na naukę rysowania jest regularne ćwiczenie i eksperymentowanie z różnymi metodami. Profesjonalni artyści zalecają wyrobienie w sobie nawyku szkicowania pomysłów na papierze i szybkiego ich rysowania.
Możesz użyć dowolnej marki długopisu i ołówka, ale do szkiców zwykle wystarczy standardowy ołówek HB lub 2B. Czarne ołówki Prismacolor i markery Sharpie są idealne do czyszczenia rysunków.
Pracując nad storyboardem, musisz zdecydować o układzie paneli i strukturze strony, zanim zaczniesz szkicować swój komiks. Pozwoli Ci to zaoszczędzić czas, jeśli później będziesz musiał wprowadzić zmiany, a także pomoże Ci określić, czy Twoja historia jest dobrze zorganizowana i płynna.
Kolejną kluczową cechą dobrego storyboardu jest to, że powinien on zawierać dialogi, które towarzyszą każdej scenie. Dzięki temu unikniesz zapomnienia o ważnych szczegółach lub dodania dodatkowych paneli, które mogą nie być konieczne.
Jeśli jesteś początkujący, najlepiej zaopatrzyć się w dobrą książkę, która pokaże ci, jak prawidłowo rysować i jak przesadzać pozy postaci, aby stworzyć bardziej realistyczny wygląd. Ja bym polecił Force: Dynamic Life Drawing for Animators, ponieważ ta książka pokaże ci, jak rysować z prawdziwego życia i da ci wgląd w to, jak siła przekłada się na każdą pozę. To pomoże ci zrozumieć, jak pokazać emocje i zachowanie postaci w bardziej dramatyczny i ekspresyjny sposób.
Układ paneli
Panele są rodzajem kompozycji używanej w mandze i komiksach do przekazywania historii. Ważne jest, aby zrozumieć jak używać ich efektywnie, aby opowiedzieć mocną historię.
Dobrym sposobem na rozpoczęcie pracy jest studiowanie prac znanych artystów mangi. To pomoże ci określić styl twojej książki i sposób, w jaki powinna być narysowana. Ponadto, czytanie scenariusza do książki da ci lepszy pomysł na to, jak używać paneli do rozwijania fabuły.
Następnym krokiem jest podzielenie strony na sekcje. Możesz to zrobić rysując siatkę lub używając linijki. Powinieneś spróbować zmieścić sceny na kartce papieru o odpowiednim rozmiarze strony. Dzięki temu ostateczny rysunek będzie wyglądał ostro i schludnie.
Inną możliwością jest podzielenie strony na poziomy. Robiąc to, możesz ustawić spójny rytm między panelami. Jest to pomocne w ustanowieniu nowej sceny lub w resetowaniu tempa między stronami.
Możesz również użyć poziomu do reprezentowania przejścia z jednej części historii do drugiej. Może to być tak proste jak zmiana koloru tła, lub tak dramatyczne jak zmiana czasu lub miejsca.
Kiedy przygotowujesz swoje strony, ważne jest, aby pamiętać o strefie bezpieczeństwa, czyli marginesie co najmniej 1/4” od krawędzi, która będzie przycinana przez drukarkę. Jest to obszar, w którym Twoje rysunki nie zostaną obcięte, a w tej strefie bezpieczeństwa możesz zawrzeć wszystkie ważne podpisy.
Jest to również obszar, w którym możesz dodać tekst, taki jak podpisy lub pola dialogowe. Uważaj, aby umieścić je wewnątrz strefy bezpieczeństwa, ponieważ mogą zostać obcięte, jeśli drukarka będzie niechlujna lub nadgorliwa.
Podobnie możesz podzielić swoje strony na sekcje, stosując mniejsze rynienki pomiędzy panelami, które chcesz, aby były czytane razem. Pomaga to prowadzić oko czytelnika i ułatwia mu śledzenie przepływu historii.
Liternictwo
Liternictwo jest ważną częścią książki mangowej, ponieważ pomaga opowiedzieć historię. Obejmuje tworzenie logotypów, tytułów, dymków, opisów i efektów dźwiękowych. Liternik musi również rozważyć, jak te elementy wpływają na doświadczenie czytelnika na stronie.
Po pierwsze, powinieneś zapoznać się z komiksowym storytellingiem, czytając różne książki na ten temat. Należą do nich Understanding Comics Scotta McClouda, Comics and Sequential Art Willa Eisnera, Dynamic Anatomy Byrne’a Hogartha oraz Drawing Words and Writing Pictures Matta Maddena.
Powinieneś również spróbować nauczyć się kilku różnych stylów liternictwa, abyś mógł zacząć budować swój własny styl i tworzyć litery, które do Ciebie przemawiają. Można to zrobić czytając inne komiksy, zwłaszcza te, które lubisz i widząc jak inni pisarze je literują.
Innym dobrym pomysłem jest przyjrzenie się innym stylom liternictwa, takim jak kaligrafia, graffiti czy komiks. To da Ci lepsze wyobrażenie o tym, jakie style są popularne i pomoże Ci zdecydować, jak przejść do własnego projektu liternictwa.
Jedną z rzeczy, o których należy pamiętać podczas tworzenia własnych napisów jest to, że powinny być one zawsze czytelne i atrakcyjne dla oka. Aby to osiągnąć, musisz ćwiczyć swoje pociągnięcia i rozwijać silny styl pióra.
Niektórzy liternicy nadal stosują tradycyjne podejście oparte na ołówku i tuszu, podczas gdy inni przechodzą na techniki cyfrowe. Na przykład John Workman, długoletni liternik, trzyma się granicy ręcznego liternictwa na swoich stronach, jak również używa elektronicznych narzędzi do pisania.
Liternictwo komputerowe staje się coraz bardziej powszechne wśród artystów komiksowych głównego nurtu. Dzieje się tak dlatego, że zapewnia wiele technicznych skrótów i eliminuje żmudny proces ręcznego wklepywania liter na stronę.
Jednak jest kilka rzeczy, o których musisz pamiętać, gdy używasz tej techniki:
1. Uważaj na rozmieszczenie napisów!
Dobrym pomysłem jest upewnienie się, że słowa są umieszczone w taki sposób, że nie łamią przepływu historii i nie utrudniają czytania strony. Będziesz chciał również upewnić się, że litery nie są zbyt duże lub zbyt małe, bo inaczej nie będą czytelne.
Podobne tematy